Horace Silver Quintet • Six Pieces of Silver

When Horace Silver once wrote out his rules for musical composition (in the liner notes to the 1968 record, Serenade to a Soul Sister), he expounded on the importance of “meaningful simplicity.” The pianist could have just as easily been describing his own life. For more than fifty years, Silver has simply written some of the most enduring tunes in jazz while performing them in a distinctively personal style. It's all been straight forward enough, while decades of incredible experiences have provided the meaning.

Silver was born in Norwalk, Connecticut on September 2, 1928. His father had immigrated to the United States from Cape Verde—-and that island nation's Portuguese influences would play a big part in Silver's own music later on. When Silver was a teenager, he began playing both piano and saxophone while he listened to everything from boogie-woogie and blues to such modern musicians as Bud Powell and Thelonious Monk. As Silver's piano trio was working in Hartford, Connecticut, the group received saxophonist Stan Getz's attention in 1950. The saxophonist brought the band on the road and recorded three of Silver's compositions.

In 1951, Silver moved to New York City where he accompanied saxophonists Coleman Hawkins, Lester Young and many other legends. In the following year, he met the executives at Blue Note while working as a sideman for saxophonist Lou Donaldson. This meeting led to Silver signing with the label where he would remain until 1980. He also collaborated with Art Blakey in forming the Jazz Messengers during the early 1950s (which Blakey would continue to lead after Silver formed his own quintet in 1956).

During these years, Silver helped create the rhythmically forceful branch of jazz known as “hard bop” (chronicled in David H. Rosenthal's 1992 book, Hard Bop: Jazz and Black Music, 1955-1965). He based much of his own writing on blues and gospel—-the latter is particularly prominent on one of his biggest tunes, “The Preacher.” While his compositions at this time featured surprising tempo shifts and a range of melodic ideas, they immediately caught the attention of a wide audience. Silver's own piano playing easily shifted from aggressively percussive to lushly romantic within just a few bars. At the same time, his sharp use of repetition was funky even before that word could be used in polite company. Along with Silver's own work, his bands often featured such rising jazz stars as saxophonists Junior Cook and Hank Mobley, trumpeter Blue Mitchell, and drummer Louis Hayes. Some of his key albums from this period included Horace Silver Trio (1953), Horace Silver and the Jazz Messengers (1955), Six Pieces of Silver (1956) and Blowin' The Blues Away (1959), which includes his famous, “Sister Sadie.” He also combined jazz with a sassy take on pop through the 1961 hit, “Filthy McNasty.”

But it was a few years later when Silver would record one of his most famous songs, the title track to his 1964 album, Song For My Father. That piece combined his dad's take on Cape Verdean folk music (with a hint of Brazilian Carnival rhythms) into an enduring F-minor jazz composition. Over the years, it has become an American popular music standard, covered not only by scores of instrumentalists, but also such singers as James Brown.

As social and cultural upheavals shook the nation during the late 1960s and early 1970s, Silver responded to these changes through music. He commented directly on the new scene through a trio of records called United States of Mind (1970-1972) that featured the spirited vocals of Andy Bey. The composer got deeper into cosmic philosophy as his group, Silver 'N Strings, recorded Silver 'N Strings Play The Music of the Spheres (1979).

After Silver's long tenure with Blue Note ended, he continued to create vital music. The 1985 album, Continuity of Spirit (Silveto), features his unique orchestral collaborations. In the 1990s, Silver directly answered the urban popular music that had been largely built from his influence on It's Got To Be Funky (Columbia, 1993). On Jazz Has A Sense of Humor (Verve, 1998), he shows his younger group of sidemen the true meaning of the music.

Now living surrounded by a devoted family in California, Silver has received much of the recognition due a venerable jazz icon. In 2005, the National Academy of Recording Arts and Sciences (NARAS) gave him its President's Merit Award. Silver is also anxious to tell the world his life story in his own words as he recently completed writing his autobiography, Let's Get To The Nitty Gritty.

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Cuando Horace Silver escribió una vez sus reglas para la composición musical (en las notas del disco de 1968, Serenata a una Hermana del Alma), expuso la importancia de la "simplicidad significativa". El pianista podría haber estado describiendo su propia vida con la misma facilidad. Durante más de cincuenta años, Silver simplemente ha escrito algunos de los temas más duraderos del jazz, interpretándolos con un estilo claramente personal. Todo ha sido bastante sencillo, mientras que décadas de experiencias increíbles han proporcionado el significado.

Silver nació en Norwalk, Connecticut, el 2 de septiembre de 1928. Su padre había emigrado a Estados Unidos desde Cabo Verde, y las influencias portuguesas de esa nación isleña jugarían un papel importante en la música de Silver más tarde. Cuando Silver era adolescente, empezó a tocar tanto el piano como el saxofón mientras escuchaba todo tipo de música, desde el boogie-woogie y el blues hasta músicos modernos como Bud Powell y Thelonious Monk. Mientras el trío de pianos de Silver trabajaba en Hartford, Connecticut, el grupo recibió la atención del saxofonista Stan Getz en 1950. El saxofonista llevó a la banda a la carretera y grabó tres de las composiciones de Silver.

En 1951, Silver se mudó a la ciudad de Nueva York donde acompañó a los saxofonistas Coleman Hawkins, Lester Young y muchas otras leyendas. Al año siguiente, conoció a los ejecutivos de Blue Note mientras trabajaba como sideman del saxofonista Lou Donaldson. Este encuentro llevó a Silver a firmar con el sello donde permanecería hasta 1980. También colaboró con Art Blakey en la formación de los Jazz Messengers a principios de los años 50 (que Blakey continuaría dirigiendo después de que Silver formara su propio quinteto en 1956).

Durante estos años, Silver ayudó a crear la rítmica y poderosa rama del jazz conocida como "hard bop" (crónica en el libro de David H. Rosenthal de 1992, Hard Bop: Jazz y Música Negra, 1955-1965). Basó gran parte de su propia escritura en el blues y el gospel--este último es particularmente prominente en uno de sus mayores temas, "The Preacher". Si bien sus composiciones en este momento presentaban sorprendentes cambios de tempo y una gama de ideas melódicas, inmediatamente llamaron la atención de un amplio público. La forma de tocar el piano del propio Silver pasó fácilmente de una percusión agresiva a una exuberante romanticidad en tan sólo unos pocos compases. Al mismo tiempo, su agudo uso de la repetición era funky incluso antes de que esa palabra pudiera ser utilizada en compañía cortés. Junto con el propio trabajo de Silver, sus bandas a menudo presentaban a estrellas de jazz en ascenso como los saxofonistas Junior Cook y Hank Mobley, el trompetista Blue Mitchell y el baterista Louis Hayes. Algunos de sus álbumes clave de este período incluyeron Horace Silver Trio (1953), Horace Silver and the Jazz Messengers (1955), Six Pieces of Silver (1956) y Blowin' The Blues Away (1959), que incluye su famosa "Sister Sadie". También combinó el jazz con una visión atrevida del pop a través del éxito de 1961, "Filthy McNasty".

Pero fue unos años más tarde cuando Silver grabó una de sus canciones más famosas, el tema que da título a su álbum de 1964, Song For My Father. Esa pieza combinaba la visión de su padre sobre la música folclórica de Cabo Verde (con un toque de los ritmos del carnaval brasileño) en una perdurable composición de jazz en menor escala. Con el paso de los años, se ha convertido en un estándar de la música popular estadounidense, cubierto no sólo por decenas de instrumentistas, sino también por cantantes como James Brown.

Cuando los trastornos sociales y culturales sacudieron a la nación a finales de la década de 1960 y principios de la de 1970, Silver respondió a estos cambios a través de la música. Comentó directamente sobre la nueva escena a través de un trío de discos llamado United States of Mind (1970-1972) que presentaba las briosas voces de Andy Bey. El compositor se adentró en la filosofía cósmica cuando su grupo, Silver 'N Strings, grabó Silver 'N Strings Play The Music of the Spheres (1979).

Después de que el largo periodo de Silver con Blue Note terminara, continuó creando música vital. El álbum de 1985, Continuity of Spirit (Silveto), presenta sus colaboraciones orquestales únicas. En los años 90, Silver respondió directamente a la música popular urbana que se había construido en gran medida a partir de su influencia en It's Got To Be Funky (Columbia, 1993). En Jazz Has A Sense of Humor (Verve, 1998), muestra a su grupo más joven de músicos secundarios el verdadero significado de la música.

Ahora que vive rodeado de una familia devota en California, Silver ha recibido gran parte del reconocimiento debido a un venerable icono del jazz. En 2005, la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación (NARAS) le otorgó su Premio al Mérito del Presidente. Silver también está ansioso por contarle al mundo la historia de su vida con sus propias palabras, ya que recientemente terminó de escribir su autobiografía, Let's Get To The Nitty Gritty.

Barry Harris • At The Jazz Worskhop

 

Review
by Scott Yanow
Pianist Barry Harris' second recording as a leader (he led a set for Argo in 1958) finds him at the age of 30 playing in the same boppish style he would have throughout his career. Teamed up with bassist Sam Jones and drummer Louis Hayes, this live CD reissue (which adds three alternate takes to the original LP program) is an excellent example of Harris' playing. Highlights of the enthusiastic straight-ahead set (which includes three obscure but worthy originals by the pianist) include "Is You Is or Is You Ain't My Baby," "Moose the Mooche" and "Woody'N You."
https://www.allmusic.com/album/barry-harris-at-the-jazz-workshop-mw0000649555

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Reseña
por Scott Yanow
La segunda grabación como líder del pianista Barry Harris (dirigió un set para Argo en 1958) le encuentra a la edad de 30 años tocando en el mismo estilo boppish que tendría a lo largo de su carrera. Formando equipo con el bajista Sam Jones y el batería Louis Hayes, esta reedición en CD en directo (que añade tres tomas alternativas al programa original en LP) es un excelente ejemplo de la forma de tocar de Harris. Entre los temas más destacados del entusiasta directo (que incluye tres oscuros pero dignos originales del pianista) figuran "Is You Is or Is You Ain't My Baby", "Moose the Mooche" y "Woody'N You".
https://www.allmusic.com/album/barry-harris-at-the-jazz-workshop-mw0000649555

Nat Adderley • Work Song

 

 

“This album is as warm, fresh and sunny as a summer’s day in the back country. It’s earthy without being muddy, sophisticated but not phony. Recommended strongly” - (Don DeMicheal)
https://www.jazzmessengers.com/es/11609/nat-adderley/work-song

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"Este álbum es tan cálido, fresco y soleado como un día de verano en el campo. Es terrenal sin ser turbio, sofisticado pero no falso. Muy recomendable" - (Don DeMicheal)
https://www.jazzmessengers.com/es/11609/nat-adderley/work-song

Kenny Drew • Undercurrent

 

Review
by Michael G. Nastos  
Kenny Drew's seventh recording as a leader is significant for many reasons, not the least of which that it is one of the finest Blue Note hard bop statements in either of their catalogs. Teamed with rising young star, trumpeter Freddie Hubbard, and the wonderful tenor saxophonist Hank Mobley fresh off stints with Donald Byrd and Art Blakey, Drew is joining the ranks of the premier mainstream jazz pianists just prior to moving permanently to Europe. He's a complementary piece of the puzzle as a player, but stirs the drink as the composer of all of these very fine hard bop vehicles. Bassist Sam Jones and especially drummer Louis Hayes contribute mightily to the beats that keep Hubbard and Mobley flying on this recording, whose energy runs contrary to the more subtle, suggestive title. The band is roaring out of the gate on the title track in a Blakey-like stance, where Drew's rambling piano fortifies the under-the-surface horns. There's no messing around during the straight-ahead, fleet "Lion's Den," as the steady Hayes drives the combo, and Jones masterfully commands held tension-and-release segments. Toning it down into the blues spectrum, "Funk-Cosity" offers a beautiful melodic line where the identity might be typical, but the individualism of the performers is not. There's deft unison playing between the very compatible Hubbard and Mobley during the simplified "Groovin' the Blues," and even more pronounced on the ultra-melodic "The Pot's On," a gem of a tune that swings with a religious fervor via the adept drumming of Hayes. The lone downtempo track, "Ballade," is a real beauty as the trumpeter and tenor saxophonist wax poetic, but it is Drew whose cascading piano and deeply emotional romantic forays come across symphonically, like a young Erroll Garner. This is an extraordinary recording that reveals more upon repeat listenings. One does wish there was alternate or bonus material from this fine jazz band, but as is, it's the best of Drew as a leader aside from his quintessential work as a consummate sideman.
https://www.allmusic.com/album/undercurrent-mw0000199286

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Reseña
por Michael G. Nastos  
La séptima grabación de Kenny Drew como líder es significativa por muchas razones, entre ellas que es una de las mejores declaraciones de hard bop de Blue Note en cualquiera de sus catálogos. Junto con la joven estrella en ascenso, el trompetista Freddie Hubbard, y el maravilloso saxofonista tenor Hank Mobley, que acaba de trabajar con Donald Byrd y Art Blakey, Drew se une a las filas de los principales pianistas de jazz justo antes de trasladarse definitivamente a Europa. Es una pieza complementaria del rompecabezas como intérprete, pero agita la bebida como compositor de todos estos excelentes vehículos de hard bop. El bajista Sam Jones y especialmente el baterista Louis Hayes contribuyen poderosamente a los ritmos que mantienen a Hubbard y Mobley volando en esta grabación, cuya energía va en contra del título más sutil y sugerente. La banda sale rugiendo por la puerta en el tema que da título al disco, en una postura similar a la de Blakey, en la que el piano divagante de Drew refuerza las trompetas bajo la superficie. No hay ningún problema durante el tema "Lion's Den", en el que el firme Hayes impulsa al combo, y Jones domina con maestría los segmentos de tensión y liberación. Bajando el tono hacia el espectro del blues, "Funk-Cosity" ofrece una hermosa línea melódica donde la identidad puede ser típica, pero el individualismo de los intérpretes no lo es. Hay un hábil juego al unísono entre los muy compatibles Hubbard y Mobley durante la simplificada "Groovin' the Blues", y aún más pronunciado en la ultramelódica "The Pot's On", una joya de melodía que se balancea con un fervor religioso a través de la hábil batería de Hayes. El único tema downtempo, "Ballade", es una verdadera belleza, ya que el trompetista y el saxofonista tenor se ponen poéticos, pero es Drew quien con su piano en cascada y sus incursiones románticas profundamente emotivas se muestra sinfónico, como un joven Erroll Garner. Se trata de una grabación extraordinaria que se revela más al repetir la escucha. Uno desearía que hubiera material alternativo o extra de esta excelente banda de jazz, pero tal y como está, es lo mejor de Drew como líder, aparte de su trabajo por excelencia como consumado músico secundario.
https://www.allmusic.com/album/undercurrent-mw0000199286

James Clay • A Double Dose Of Soul

 

Review by Scott Yanow

James Clay only led two record sessions before settling in obscurity in Texas, where he would not be rediscovered until the late '80s. Cannonball Adderley helped present him on Riverside in 1960, so it seemed fair that Clay utilized several of Adderley's sidemen on this session (cornetist Nat Adderley or vibraphonist Victor Feldman, bassist Sam Jones, and drummer Louis Hayes) along with a young Gene Harris on piano. Clay splits his time between his lyrical flute and tough tenor, proving to be an excellent bop-based improviser. [The CD reissue adds two alternate takes to the original LP program, highlighted by Feldman's "New Delhi," "Come Rain or Come Shine," and Nat's blues "Pockets."]

Biography

James Clay is a name new to many modern-day jazz listeners. But Clay's earliest fame came in the late 1950s when the young woodwind expert arrived on the Los Angeles jazz scene as a contemporary of this fellow Texan Ornette Coleman. Never an avant-garde experimenter like Coleman, Clay was immediately heard by his peers as a gifted mainstream player with ears open to a wide harmonic range. Clay went into obscurity for nearly 30 years before making a comeback.

A fine tenor saxophonist who was part of the long tradition of Texas tenors, Clay was born in Dallas. Although early on he mostly played r&b and blues-oriented music, he was an early associate of Ornette Coleman and was open to playing in freer settings. He spent ten years in the Ray Charles band. He moved up North in the mid-1950s and recorded with drummer Larance Marable in 1956.

In 1960, Clay made his greatest impact, leading two excellent albums for Riverside. “The Sound of the Wide Open Spaces,” teams him with David “Fathead” Newman (another Texas tenor), pianist Wynton Kelly, bassist Sam Jones, and drummer Arthur Taylor. The two tenors battle it out on a variety of tunes and the results are a tie for the saxophonists and a victory for the listeners. “A Double Dose of Soul,” has Clay utilizing Cannonball Adderley’s sidemen (cornetist Nat Adderley, vibraphonist Victor Feldman, Sam Jones, and drummer Louis Hayes) plus pianist Gene Harris in a bop-based program that features Clay doubling on flute.

Rather than building on this promising start, James Clay decided to move back to Texas and become an educator. Very little was heard from him on the national scene until cornetist Don Cherry persuaded Clay to record on his 1988 album “Art Deco.”

He recorded “Cookin’ at the Continental,” for Antilles in 1992 with an all star lineup of David Newman, Roy Hargrove, Kirk Lightsey, Christian McBride, and Winard Harper. On this date he is in fine form and his lighter sound blends well with Newman.

James Clay was still actively performing prior to his 1995 death.

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Reseña de Scott Yanow

James Clay sólo dirigió dos sesiones de grabación antes de establecerse en la oscuridad en Texas, donde no sería redescubierto hasta finales de los años 80. Cannonball Adderley ayudó a presentarlo en Riverside en 1960, por lo que parecía justo que Clay utilizara a varios de los compañeros de Adderley en esta sesión (el cornetista Nat Adderley o el vibrafonista Victor Feldman, el bajista Sam Jones y el baterista Louis Hayes) junto con un joven Gene Harris al piano. Clay divide su tiempo entre su flauta lírica y su duro tenor, demostrando ser un excelente improvisador basado en el bop. La reedición del CD agrega dos tomas alternas al programa original del LP, destacadas por "New Delhi" de Feldman, "Come Rain or Come Shine" y "Pockets" de Nat's blues].

Biografía

James Clay es un nombre nuevo para muchos oyentes de jazz de hoy en día. Pero la fama más temprana de Clay llegó a finales de los años 50 cuando el joven experto en viento-madera llegó a la escena del jazz de Los Ángeles como contemporáneo de este compañero tejano Ornette Coleman. Nunca un experimentador de vanguardia como Coleman, Clay fue inmediatamente escuchado por sus pares como un talentoso músico de la corriente principal con los oídos abiertos a una amplia gama armónica. Clay pasó a la oscuridad durante casi 30 años antes de regresar.

Un fino saxofonista tenor que fue parte de la larga tradición de los tenores de Texas, Clay nació en Dallas. Aunque al principio tocaba principalmente música orientada al r&b y al blues, fue uno de los primeros asociados de Ornette Coleman y estaba abierto a tocar en ambientes más libres. Pasó diez años en la banda de Ray Charles. Se mudó al norte a mediados de los años 50 y grabó con el baterista Larance Marable en 1956.

En 1960, Clay causó su mayor impacto, liderando dos excelentes álbumes para Riverside. "The Sound of the Wide Open Spaces", lo pone en el equipo de David "Fathead" Newman (otro tenor de Texas), el pianista Wynton Kelly, el bajista Sam Jones y el baterista Arthur Taylor. Los dos tenores se enfrentan en una variedad de temas y los resultados son un empate para los saxofonistas y una victoria para los oyentes. "A Double Dose of Soul", tiene a Clay utilizando a los compañeros de Cannonball Adderley (el cornetista Nat Adderley, el vibrafonista Victor Feldman, Sam Jones y el baterista Louis Hayes) además del pianista Gene Harris en un programa basado en el bop que presenta a Clay doblando en flauta.

En lugar de construir sobre este prometedor comienzo, James Clay decidió regresar a Texas y convertirse en un educador. Se escuchó muy poco de él en la escena nacional hasta que el cornetista Don Cherry persuadió a Clay para que grabara en su álbum de 1988 "Art Deco".

Grabó "Cookin' at the Continental" para las Antillas en 1992 con una alineación de estrellas como David Newman, Roy Hargrove, Kirk Lightsey, Christian McBride y Winard Harper. En esta fecha se encuentra en buena forma y su sonido más ligero se mezcla bien con el de Newman.

James Clay seguía actuando activamente antes de su muerte en 1995.

Wilbur Harden & John Coltrane • The Complete Savoy Sessions

 

Review by Ken Dryden
Wilbur Harden has been somewhat of a jazz mystery, appearing on a handful of dates and then suddenly disappearing for good after falling ill not long after the 1958 sessions featured on this reissue. After these recordings of Harden's works were issued in various forms on LP, including on some occasions with John Coltrane receiving top or sole billing, all of the music recorded by this overlooked trumpeter and flügelhornist with the legendary tenor saxophonist has finally become available in one complete two-CD set. The always dependable Tommy Flanagan is the pianist on two of the three sessions. Although Harden is a competent player, his compositions aren't particularly memorable, although they are enjoyable; the primary reason people have sought this music is to plug a gap in their John Coltrane collections. Highlights include the loping "Wells Fargo," the exotic "E.F.F.P.H.," and the strutting "Anedac," which substitutes Howard Williams for Flanagan and adds trombonist Curtis Fuller to the mix. The consistently strong playing of John Coltrane is what makes this set worth acquiring.
https://www.allmusic.com/album/the-complete-savoy-sessions-mw0000247652#review

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Reseña de Ken Dryden
Wilbur Harden ha sido un misterio del jazz, apareciendo en un puñado de fechas y luego desapareciendo repentinamente para siempre después de enfermarse poco después de las sesiones de 1958 presentadas en esta reedición. Después de que estas grabaciones de las obras de Harden se publicaran en varias formas en LP, incluso en algunas ocasiones con John Coltrane recibiendo facturación superior o exclusiva, toda la música grabada por este trompetista y flügelhornista pasado por alto con el legendario saxofonista tenor finalmente está disponible en un conjunto completo de dos CD. El siempre confiable Tommy Flanagan es el pianista en dos de las tres sesiones. Aunque Harden es un intérprete competente, sus composiciones no son particularmente memorables, aunque son agradables; la razón principal por la que la gente ha buscado esta música es para llenar un vacío en sus colecciones de John Coltrane. Los aspectos más destacados incluyen el zumbido "Wells Fargo", el exótico "E. F. F. P. H." y el pavoneo "Anedac", que sustituye a Howard Williams por Flanagan y agrega al trombonista Curtis Fuller a la mezcla. El juego consistentemente fuerte de John Coltrane es lo que hace que valga la pena adquirir este conjunto.
https://www.allmusic.com/album/the-complete-savoy-sessions-mw0000247652#review

Horace Silver • Further Explorations

 

Review
by Scott Yanow
For a brief time, tenor saxophonist Clifford Jordan and trumpeter Art Farmer were the frontline of the Horace Silver Quintet. This 1997 CD reissue finds the group (which also includes bassist Teddy Kotick and drummer Louis Hayes) performing five of Silver's lesser-known originals and the standard "Ill Wind." The lyrical Farmer and the up-and-coming Jordan have plenty of fine solos, as does the influential Silver, whose funky, witty style stood apart from the prevailing Bud Powell influence of the era. Although none of the newer songs caught on as standards, this set (which has plenty of mood and groove variation) holds together very well and still sounds fresh 40 years later.
https://www.allmusic.com/album/further-explorations-by-the-horace-silver-quintet-mw0000594446

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Reseña
por Scott Yanow
Durante un breve periodo de tiempo, el saxofonista tenor Clifford Jordan y el trompetista Art Farmer estuvieron al frente del Horace Silver Quintet. Esta reedición en CD de 1997 encuentra al grupo (que también incluye al bajista Teddy Kotick y al batería Louis Hayes) interpretando cinco de los originales menos conocidos de Silver y el estándar "Ill Wind". El lírico Farmer y el prometedor Jordan tienen un montón de buenos solos, al igual que el influyente Silver, cuyo estilo funky e ingenioso se desmarcaba de la influencia predominante de Bud Powell de la época. Aunque ninguna de las nuevas canciones se convirtió en estándar, este conjunto (que tiene muchas variaciones de humor y ritmo) se mantiene muy bien y sigue sonando fresco 40 años después.
https://www.allmusic.com/album/further-explorations-by-the-horace-silver-quintet-mw0000594446

Jazz Incorporated • Live At Smalls

 

Jazz Incorporated is a collective ensemble co-led by Jazz drum legend Louis Hayes and trumpet player Jeremy Pelt. This contemporary hard-bop quartet plays repertoire from the legacy of their drummer as well as standards and originals. The energy during these sets was electric and the house was packed. Louis Hayes demonstrates the authoritative swing that has established his legend. He has been the driving force behind bands led by Cannonball Adderly, Horace Silver and Freddie Hubbard. Jeremy Pelt plays with an effortless majesty and true jazz conviction to each phrase. Pianist Anthony Wonsey delivers impeccable accompaniment and some sparkling solos. Dezron Douglas makes his second Smalls LIVE appearance proving why he is rapidly becoming the first call bassman for the top-shelf groups. The music is exciting, accessible and full of life.
Jazz Incorporated is a collective ensemble co-led by Jazz drum legend Louis Hayes and trumpet player Jeremy Pelt. This contemporary hard-bop quartet plays repertoire from the legacy of their drummer as well as standards and originals. The energy during these sets was electric and the house was packed. Louis Hayes demonstrates the authoritative swing that has established his legend. He has been the driving force behind bands led by Cannonball Adderly, Horace Silver and Freddie Hubbard. Jeremy Pelt plays with an effortless majesty and true jazz conviction to each phrase. Pianist Anthony Wonsey delivers impeccable accompaniment and some sparkling solos. Dezron Douglas makes his second Smalls LIVE appearance proving why he is rapidly becoming the first call bassman for the top-shelf groups. The music is exciting, accessible and full of life.
https://www.walmart.com/ip/Jazz-Incorporated-Live-at-Smalls/55881522

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Jazz Incorporated es un conjunto colectivo codirigido por la leyenda de la batería de jazz Louis Hayes y el trompetista Jeremy Pelt. Este cuarteto de hard-bop contemporáneo interpreta repertorio del legado de su batería, así como estándares y originales. La energía durante estas actuaciones fue eléctrica y la sala estaba abarrotada. Louis Hayes demuestra el swing autoritario que ha forjado su leyenda. Ha sido la fuerza motriz de bandas lideradas por Cannonball Adderly, Horace Silver y Freddie Hubbard. Jeremy Pelt toca con una majestuosidad sin esfuerzo y verdadera convicción jazzística en cada frase. El pianista Anthony Wonsey ofrece un acompañamiento impecable y algunos solos brillantes. Dezron Douglas hace su segunda aparición en Smalls LIVE demostrando por qué se está convirtiendo rápidamente en el bajista de primera llamada para los grupos de primera fila. La música es emocionante, accesible y llena de vida.
Jazz Incorporated es un conjunto colectivo codirigido por la leyenda de la batería de jazz Louis Hayes y el trompetista Jeremy Pelt. Este cuarteto de hard-bop contemporáneo interpreta repertorio del legado de su batería, así como estándares y originales. La energía durante estas actuaciones fue eléctrica y la sala estaba abarrotada. Louis Hayes demuestra el swing autoritario que ha forjado su leyenda. Ha sido la fuerza motriz de bandas lideradas por Cannonball Adderly, Horace Silver y Freddie Hubbard. Jeremy Pelt toca con una majestuosidad sin esfuerzo y verdadera convicción jazzística en cada frase. El pianista Anthony Wonsey ofrece un acompañamiento impecable y algunos solos brillantes. Dezron Douglas hace su segunda aparición en Smalls LIVE demostrando por qué se está convirtiendo rápidamente en el bajista de primera llamada para los grupos de primera fila. La música es emocionante, accesible y llena de vida.
https://www.walmart.com/ip/Jazz-Incorporated-Live-at-Smalls/55881522

http://jeremypelt.net/

Bennie Green • Back On The Scene

 

Review by Stephen Thomas Erlewine
It's evident from the opening pair of Latin-flavored performances that Back on the Scene is one of Bennie Green's most diverse efforts. Green's warm, supple tone and fondness for swinging, bop-influenced mainstream jazz and jump blues hasn't disappeared; he's just found new facets in his style. The infectious Latin rhythms on Cole Porter's "I Love You" and "Melba's Mood" are welcome, as is "You're Mine You," which showcases Green's sensitive ballad style. Reviving the standard "Just Friends" emphasizes the trombonist's ties to big band and bop, particularly through tenor saxophonist Charlie Rouse's strong solos. The jumping "Bennie Plays the Blues" and "Green Street" are also terrific, finding Green, Rouse and pianist Joe Knight trading full-bodied solos. Even with this vast array of styles, Back on the Scene retains all the good-natured spirit and humor of his earlier Prestige albums.
https://www.allmusic.com/album/back-on-the-scene-mw0000471885

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine
Es evidente por el par inicial de actuaciones con sabor latino que Back on the Scene es uno de los esfuerzos más diversos de Bennie Green. El tono cálido y flexible de Green y su afición por el jazz mainstream y el jump blues con influencias del swing y el bop no han desaparecido; acaba de encontrar nuevas facetas en su estilo. Los contagiosos ritmos latinos de "I Love You" y "Melba's Mood" de Cole Porter son bienvenidos, al igual que "You're Mine You", que muestra el sensible estilo de balada de Green. Revivir el estándar "Just Friends" enfatiza los lazos del trombonista con la big band y el bop, particularmente a través de los fuertes solos del saxofonista tenor Charlie Rouse. Los saltadores "Bennie Plays the Blues" y "Green Street" también son fabulosos, encontrando a Green, Rouse y al pianista Joe Knight intercambiando solos con mucho cuerpo. Incluso con esta amplia gama de estilos, Back on the Scene conserva todo el espíritu afable y el humor de sus álbumes anteriores de Prestige.
https://www.allmusic.com/album/back-on-the-scene-mw0000471885

 

Yusef Lateef • Jazz For The Thinker

 

 Yusef Lateef was born William Emanuel Huddleston in Chattanooga, Tennessee on October 9th, 1920. At the age of 5 he moved with his family to Detroit. Growing up in Detroit he came in contact and forged friendships with many a giant of jazz such as Kenny Burrell, Milt Jackson, Tommy Flanagan, Barry Harris, Paul Chambers, and Donald Byrd. By the time he graduated from high school he was a proficient tenor saxophonist. He started soon after graduation playing professionally and touring with different swing orchestras among them those of Hot Lips Page, Roy Eldridge and Lucky Millender. In 1949 he joined Dizzy Gillespie’s orchestra (using the stage name William Evans), and stayed with them for one year. In 1950 he returned to Detroit and to enrolled in the Wayne State University’s Music Department and studying composition and flute. During his tenure at Wayne State he converted to Islam and changed his name to Yusef Lateef. He stayed in Detroit until 1960 and during this decade he led his own quintet for a while, recorded his first album as a leader for the Savoy label, Stable Mates, and furthered his musical education by studying oboe with Ronald Odemark of the Detroit Symphony Orchestra.

In 1960 he returned to New York and enrolled in the Manhattan School of Music to further his studies in flute and music education. Over the next 10 years he recorded several records as a leader and played on many more under other musicians’ leadership, toured with Charles Mingus, Cannonball Adderley, Miles Davis, Dizzy Gillespie and Babatunde Olatunji and obtained a BA in music and a MA in music education. Among the highlights of his recording career from this decade are Eastern Sounds, Live at Pep’s and The Golden Flute. One can already hear on these records the incorporation of different eastern musical influences into the more straight-ahead jazz idiom. These albums also are one of the first places one can hear Dr Lateef play different reed instruments including the bassoon, bamboo flute, shanai, shofar, argol, sarewa, and taiwan koto. During the 70s he taught courses in autophysiopsychic music (which comes from one’s spiritual, physical and emotional self) at the music theory department in the Manhattan School of Music. From 1972 till 1976, he was an associate professor of music at the Borough of Manhattan Community College.

In 1975 he was awarded a Ph.D. in Education from University of Massachusetts in Amherst, MA and he continues to be a professor there. Suite 16 or Blues Suite, Dr. Lateef’s first work for large orchestra, premiered in 1969 at the Georgia Symphony Orchestra in Augusta and it was performed in 1970 by the Detroit Symphony Orchestra at the Meadowbrook Music Festival, and recorded by the WDR Orchestra in Cologne. The NDR Radio Orchestra of Hamburg commissioned him to compose the tone poem “Lalit,” in 1974. He also recorded his Symphony No.1 with the same orchestra later that year. He has toured the world with his ensembles and other musicians performing in concert halls and music festivals.

The recorded highlight of this stage of his career is Autophysiopsychic. In the 80s Dr. Lateef spent 4 years at the Center for Nigerian Cultural Studies at Ahmadu Bello University in Zaria, Nigeria researching the Fulani flute. In 1987 he won a Grammy for Yusef Lateef’s Little Symphony.

In 1992 he established his own label YAL. In 1993 Yusef Lateef’ composed his most ambitious work to date, The African American Epic Suite, a four-movement work for quintet and orchestra dedicated to 400 years of African American history. It premiered with the WDR orchestra and later was also performed by the Atlanta Symphony Orchestra and by the Detroit Symphony Orchestra. Among his lesser known accomplishments are 3 works of fiction; A Night in the Garden of Love and two collections of short stories, Spheres and Rain Shapes.

Yusef Lateef died at his home in Shutesbury, Massachusetts in December 2013; he was 93 years old.

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Yusef Lateef nació como William Emanuel Huddleston en Chattanooga, Tennessee el 9 de octubre de 1920. A la edad de 5 años se mudó con su familia a Detroit. Al crecer en Detroit, entró en contacto y forjó amistades con muchos gigantes del jazz como Kenny Burrell, Milt Jackson, Tommy Flanagan, Barry Harris, Paul Chambers y Donald Byrd. Para cuando se graduó de la escuela secundaria era un saxofonista tenor competente. Comenzó poco después de su graduación tocando profesionalmente y de gira con diferentes orquestas de swing, entre ellas las de Hot Lips Page, Roy Eldridge y Lucky Millender. En 1949 se unió a la orquesta de Dizzy Gillespie (con el nombre artístico de William Evans), y permaneció con ellos durante un año. En 1950 regresó a Detroit y se matriculó en el Departamento de Música de la Universidad Estatal de Wayne, donde estudió composición y flauta. Durante su permanencia en el Estado de Wayne se convirtió al Islam y cambió su nombre a Yusef Lateef. Permaneció en Detroit hasta 1960 y durante esta década dirigió su propio quinteto por un tiempo, grabó su primer álbum como líder del sello Savoy, Stable Mates, y amplió su educación musical estudiando oboe con Ronald Odemark de la Orquesta Sinfónica de Detroit.

En 1960 regresó a Nueva York y se matriculó en la Escuela de Música de Manhattan para continuar sus estudios de flauta y educación musical. Durante los siguientes 10 años grabó varios discos como líder y tocó en muchos más bajo el liderazgo de otros músicos, realizó giras con Charles Mingus, Cannonball Adderley, Miles Davis, Dizzy Gillespie y Babatunde Olatunji y obtuvo un BA en música y un MA en educación musical. Entre los aspectos más destacados de su carrera discográfica de esta década se encuentran Eastern Sounds, Live at Pep's y The Golden Flute. Ya se puede escuchar en estos discos la incorporación de diferentes influencias musicales orientales en el lenguaje más directo del jazz. Estos álbumes también son uno de los primeros lugares donde se puede escuchar al Dr. Lateef tocar diferentes instrumentos de caña, incluyendo el fagot, la flauta de bambú, el shanai, el shofar, el argol, el sarewa y el taiwan koto. Durante los años 70 impartió cursos de música autofísica (que proviene del propio yo espiritual, físico y emocional) en el departamento de teoría musical de la Manhattan School of Music. De 1972 a 1976, fue profesor asociado de música en el Borough of Manhattan Community College.

En 1975 obtuvo un doctorado en Educación de la Universidad de Massachusetts en Amherst, MA y continúa siendo profesor allí. Suite 16 o Blues Suite, el primer trabajo del Dr. Lateef para grandes orquestas, se estrenó en 1969 en la Georgia Symphony Orchestra de Augusta y fue interpretada en 1970 por la Detroit Symphony Orchestra en el Meadowbrook Music Festival, y grabada por la WDR Orchestra de Colonia. La Orquesta de la Radio NDR de Hamburgo le encargó en 1974 la composición del poema tonal "Lalit". También grabó su Sinfonía No. 1 con la misma orquesta ese mismo año. Ha dado la vuelta al mundo con sus conjuntos y otros músicos actuando en salas de conciertos y festivales de música.

El punto culminante registrado de esta etapa de su carrera es Autophysiopsychic. En los años 80, el Dr. Lateef pasó 4 años en el Centro de Estudios Culturales Nigerianos de la Universidad Ahmadu Bello en Zaria, Nigeria, investigando la flauta Pël. En 1987 ganó un Grammy por la Pequeña Sinfonía de Yusef Lateef.

En 1992 fundó su propio sello YAL. En 1993 Yusef Lateef' compuso su obra más ambiciosa hasta la fecha, The African American Epic Suite, una obra de cuatro movimientos para quinteto y orquesta dedicada a 400 años de historia afroamericana. Se estrenó con la orquesta WDR y más tarde también fue interpretada por la Atlanta Symphony Orchestra y por la Detroit Symphony Orchestra. Entre sus logros menos conocidos se encuentran 3 obras de ficción; Una Noche en el Jardín del Amor y dos colecciones de cuentos, Esferas y Formas de la Lluvia.

Yusef Lateef murió en su casa de Shutesbury, Massachusetts, en diciembre de 2013; tenía 93 años.

yuseflateef.com ...

Joe Zawinul • Money In The Pocket

 

Review from All About Jazz (by Chris May):
Recorded in late 1965, while keyboard player Joe Zawinul was still a member of saxophonist Cannonball Adderley's band, Money In The Pocket is a remarkable album -- remarkable in that it gives absolutely no hint of the shape shifts that would transform Zawinul's work a few years later. The first of three albums he recorded for Atlantic, it's a conventional mix of mid-1960s hard bop and soul jazz. "Money In The Pocket" itself, one of three Zawinul originals, made with tenor saxophonist Clifford Jordan and trumpeter Blue Mitchell, is classic Blue Note hard bop in everything but record label. Four other tracks recorded with a three-horn frontline -- tenor saxophonist Joe Henderson, baritone saxophonist Pepper Adams and Mitchell, with bassist Sam Jones and drummer Louis Hayes from the Adderley band -- take in bop and soul jazz. Jones' "Some More Of Dat" is a dead ringer for contemporaneous Adderley or pianist Horace Silver. All these tracks are good, but even by the standards of the time they are pretty ordinary. Zawinul's modal-flavored "Riverbed," though hardly radical, is the disc's most singular composition. There are, however, two ballad readings of note: "My One And Only Love" performed solo by Zawinul, and "Sharon's Waltz" with Jones and Hayes -- lyrical and just the right side of rococo, Zawinul's solos are delightful. Reissued as part of Warner Jazz's Atlantic Masters series, it isn't to be confused with the Adderley band's album of the same title.
https://www.allaboutjazz.com/money-in-the-pocket-joe-zawinul-review-by-chris-may

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Resena de All About Jazz (por Chris May):
Grabado a fines de 1965, mientras el pianista Joe Zawinul era todavia miembro del grupo del saxofonista Cannonball Adderley, Money In The Pocket es un album notable -- notable porque no da absolutamente ninguna pista de las transformaciones que cambiarian el trabajo de Zawinul pocos anos despues. El primero de tres albums que grabo para Atlantic, es una mezcla convencional de hard bop y soul jazz de mediados de los sesenta. El propio "Money In The Pocket", uno de los tres originales de Zawinul, realizado con el saxofonista tenor Clifford Jordan y el trompetista Blue Mitchell, es hard bop clasico al estilo Blue Note en todo menos en el sello discografico. Cuatro tracks mas grabados con una primera linea de tres cuernos -- el saxofonista tenor Joe Henderson, el saxofonista baritono Pepper Adams y Mitchell, con el bajista Sam Jones y el baterista Louis Hayes de la banda de Adderley -- transitan por el bop y el soul jazz. "Some More Of Dat" de Jones es casi indistinguible del Adderley o el pianista Horace Silver contemporaneos. Todos estos temas son buenos, aunque incluso para los estandares de la epoca resultan bastante ordinarios. El "Riverbed" de Zawinul, con sabor modal aunque no especialmente radical, es la composicion mas singular del disco. Sin embargo, hay dos lecturas de baladas notables: "My One And Only Love" interpretada en solitario por Zawinul, y "Sharon's Waltz" con Jones y Hayes -- liricas y justas en su preciosismo, las improvisaciones de Zawinul son deliciosas. Reeditado como parte de la serie Atlantic Masters de Warner Jazz, no debe confundirse con el album homonimo de la banda de Adderley.
https://www.allaboutjazz.com/money-in-the-pocket-joe-zawinul-review-by-chris-may

Jackie McLean • Makin' The Changes

 

Jackie McLean • Makin' The Changes
No se encontró reseña en AllMusic.com
Review from Cashbox (June 25, 1960):
McLean's emergence as a major new alto voice is marked by his driving, energetic playing style. His intense approach shines on tracks including "Bean And The Boys," "I Never Knew," and "Chasin' The Bird," supported excellently by Curtis Fuller, Paul Chambers, Louis Hayes, Webster Young, and Gil Coggins. An important recording session for Jackie McLean's developing career.
https://thejazztome.info/jackie-mclean-makin-the-changes/

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La emergencia de McLean como una importante nueva voz del saxo alto está marcada por su estilo de interpretación enérgico y vigoroso. Su enfoque intenso brilla en tracks que incluyen "Bean And The Boys", "I Never Knew" y "Chasin' The Bird", respaldado excelentemente por Curtis Fuller, Paul Chambers, Louis Hayes, Webster Young y Gil Coggins. Una sesión de grabación importante para la carrera en desarrollo de Jackie McLean.
https://thejazztome.info/jackie-mclean-makin-the-changes/

The Cannonball Adderley Sextext • BBC Studios 1964

 

Tracks:
The Cannonball Adderley Sextet live at BBC Studios in London, UK on 5.14.1964. This recording features Nat Adderley on cornet. Recorded by the British Broadcasting Corp. (BBC), and broadcast on BBC TV on June 2nd & August 3rd, 1964, and on BBC Radio on September 25, 1964.

Julian "Cannonball" Adderley was an American jazz alto saxophonist of the hard bop era of the 1950s and 1960s. Adderley is perhaps best remembered for the 1966 soul jazz single "Mercy, Mercy, Mercy", which was written for him by his keyboardist Joe Zawinul and became a major crossover hit on the pop and R&B charts. A cover version by the Buckinghams, who added lyrics, also reached No. 5 on the charts. Adderley worked with Miles Davis, first as a member of the Davis sextet, appearing on the seminal records Milestones (1958) and Kind of Blue (1959), and then on his own 1958 album Somethin' Else. He was the elder brother of jazz trumpeter Nat Adderley, who was a longtime member of his band.  

In July 1975, Cannonball Adderley suffered a stroke from a cerebral hemorrhage and died four weeks later, on August 8, 1975, at St. Mary Methodist Hospital in Gary, Indiana, at age 46. He was survived by his wife Olga Adderley, parents Julian Carlyle and Jessie Lee Adderley, and brother Nat Adderley.  Later in 1975, he was inducted into the DownBeat Jazz Hall of Fame. Joe Zawinul's composition "Cannon Ball" on Weather Report's Black Market album is a tribute to his former leader. Pepper Adams and George Mraz dedicated the composition "Julian" on the 1975 Pepper Adams album of the same name days after Cannonball's death. (Wikipedia)


Tracks::
Work Song 00:57
The Song My Lady Sings 08:11
Poor Butterfly 16:06
The Jive Samba 20:50
Unit Seven 28:09
The Weaver 30:10
Bohemia After Dark 38:29
Come Sunday 44:11
Sweet Georgia Bright 50:39
Unit Seven 55:43

Credits:
Cannonball Adderley - Alto Sax 
Nat Adderley - Cornet 
Charles Lloyd - Tenor Sax, Flute
Joe Zawinul - Piano
Sam Jones - Bass
Louis Hayes - Drums

This is currently the oldest broadcast on FM Radio Archive. Very few FM broadcast recordings from 1965 or earlier are available, but TV broadcasts of jazz artists from this period are more plentiful, especially from Europe. Watch for more mid-60's jazz broadcasts on FM Radio Archive.

 Note: Rip on 2 tracks. 

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David Hazeltine Trio • Senor Blues

 

 

David Hazeltine is one of a handful of contemporary pianists who has mastered all of the major musical skills, from improvisation and technique, to accompaniment, arranging, and composition. Even more impressive, David is the rare artist able to innovate in each category. Thus it’s no surprise that he’s the most recorded contemporary jazz pianist of our time, having recorded thirty five cd’s as a leader and hundreds more as a sideman, on various major labels globally. A Milwaukee native, David was playing the clubs as a preteen, and before he’d even come of age he was already grabbing the attention and respect of jazz legends like Sonny Stitt, and Chet Baker. They urged him to make the move to New York City, which he did in 1992.
Beautifully complex and memorable

The mark of a true artist, David’s style appeals to a wide range of musical tastes and levels of sophistication. His melodies and harmonies are beautifully complex and memorable. As a composer and instrumentalist, he has developed a signature style that is readily recognizable. His cooperative group “One For All” featuring tenor great Eric Alexander, has attained critical acclaim with their impressive 16 cd discography, and live concerts worldwide including appearances at the North Sea Jazz Festival and the Newport Jazz Festival.

Hazeltine is one of the most sought after pianists today. He has worked with some of the world’s most respected jazz legends including James Moody, Eddie Harris, Jon Faddis, Joe Henderson, Pepper Adams, Jon Hendricks, and Marlena Shaw. David is known for taking a familiar or unexpected song and making it new, making it his own. He effortlessly transfers this skill from song to stage. Whether he’s composing or interpreting, accompanying or leading, you are certain to end the set remembering the sounds of David Hazeltine.
Carrying the art forward

A brilliant teacher, David is also determined to carry the art forward to the next generation. Formerly an Associate Professor at Berklee, he currently teaches at SUNY-Purchase in New York. David is also a highly skilled clinician, and has served on the Jamey Aebersold Summer Jazz Camp faculty for the past 15 years. His teaching has had a major impact on many of today’s young professional pianists including Ben Markley, who published his doctorate “The David Hazeltine Method” based on his lessons with Mr. Hazeltine. Hal Leonard has published the new “Real Book - Enhanced Edition”, featuring David’s own re-harmonizations of 200 well known standards. Lessons from David are also available on his online workshops; check out his sessions on harmony at www.jazzpianomastery.com, and on the essentials of bebop at www.mymusicmasterclass.com.

Check the itinerary for upcoming dates; don’t miss your chance to hear one of the most talented and accomplished jazz pianists of our time.
https://www.davidhazeltine.com/biography

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David Hazeltine es uno de los pocos pianistas contemporáneos que domina las principales habilidades musicales, desde la improvisación y la técnica hasta el acompañamiento, los arreglos y la composición. Aún más impresionante, David es el raro artista capaz de innovar en cada categoría. Por eso no es de extrañar que sea el pianista de jazz contemporáneo más grabado de nuestro tiempo, con treinta y cinco discos como líder y cientos más como acompañante, en varios de los principales sellos del mundo. Nacido en Milwaukee, David ya tocaba en los clubes cuando era un preadolescente, y antes de cumplir la mayoría de edad ya había captado la atención y el respeto de leyendas del jazz como Sonny Stitt y Chet Baker. Ellos le animaron a trasladarse a Nueva York, lo que hizo en 1992.
Bellamente complejo y memorable

La marca de un verdadero artista, el estilo de David atrae a una amplia gama de gustos musicales y niveles de sofisticación. Sus melodías y armonías son hermosamente complejas y memorables. Como compositor e instrumentista, ha desarrollado un estilo propio fácilmente reconocible. Su grupo cooperativo "One For All", en el que participa el gran tenor Eric Alexander, ha sido aclamado por la crítica gracias a su impresionante discografía de 16 CD y a sus conciertos en directo en todo el mundo, incluidas sus apariciones en el Festival de Jazz del Mar del Norte y en el Festival de Jazz de Newport.

Hazeltine es uno de los pianistas más solicitados de la actualidad. Ha trabajado con algunas de las leyendas del jazz más respetadas del mundo, como James Moody, Eddie Harris, Jon Faddis, Joe Henderson, Pepper Adams, Jon Hendricks y Marlena Shaw. David es conocido por tomar una canción conocida o inesperada y convertirla en algo nuevo, haciéndola suya. Transfiere sin esfuerzo esta habilidad de la canción al escenario. Ya sea componiendo o interpretando, acompañando o dirigiendo, seguro que acabas el concierto recordando los sonidos de David Hazeltine.
Llevar el arte adelante

David, un brillante profesor, también está decidido a transmitir el arte a la próxima generación. Fue profesor asociado en Berklee y actualmente enseña en SUNY-Purchase, en Nueva York. David es también un clínico altamente cualificado, y ha formado parte del profesorado del Campamento de Jazz de Verano Jamey Aebersold durante los últimos 15 años. Su enseñanza ha tenido un gran impacto en muchos de los jóvenes pianistas profesionales de hoy en día, incluyendo a Ben Markley, quien publicó su doctorado "The David Hazeltine Method" basado en sus lecciones con el Sr. Hazeltine. Hal Leonard ha publicado el nuevo "Real Book - Enhanced Edition", que incluye las rearmonizaciones del propio David de 200 estándares muy conocidos. Las lecciones de David también están disponibles en sus talleres en línea; echa un vistazo a sus sesiones sobre armonía en www.jazzpianomastery.com, y sobre los fundamentos del bebop en www.mymusicmasterclass.com.

Consulte el itinerario para conocer las próximas fechas; no pierda la oportunidad de escuchar a uno de los pianistas de jazz con más talento y talento de nuestro tiempo.
https://www.davidhazeltine.com/biography 

www.davidhazeltine.com ...

Sonny Clark • Dial S For Sonny

 

Original copies of Blue Note 1570—Dial "S" For Sonny—are among the rarer Blue Note records, often changing hands for thousands of dollars for even a mediocre copy. That's an awful lot of scratch for a fifty-six year old piece of pressed vinyl and a cardboard sleeve. Fortunately, there are better ways to hear pianist Sonny Clark's debut recording for the fabled label. The Music Matters series of two-disk, 45 rpm vinyl records is winding down after close to one hundred titles, and Dial "S" For Sonny made it in under the wire.

Clark's all too brief career was cut short when he died in 1963 at the age of 32, but he left a very well regarded, if relatively brief, collection of recordings. Growing up in Pittsburgh and then initially playing professionally on the west coast before returning to New York, he was essentially a blues player, but with a keenly developed sense of structural complexity in both his compositions and improvisations.

He plays with insistent swing and drive, even as he sticks to mostly mid tempos. On "Love Walked In" the horns sit out, and only drummer Louis Hayes and bassist Wilbur Ware accompany him. He opens the song with a tenderly romantic intro, but then delves into a solid well-constructed solo. He never gets too far off the tune, but fills it with his own harmonic textures and figures.

Clark's piano playing is excellent throughout, but most of the record is a septet with some of the most legendary musicians of the era (and in the case of Louis Hayes, even today). On the ballad "It Could Happen To You" Art Farmer blows a warm, bronzed trumpet, full of volume and weight, before clearing off for Clark's appropriately spare improvisation. Then Hank Mobley takes over with a soft-toned statement that fully captures the mood of the song. Finally, Curtis Fuller joins in with a short closing statement that makes a real case for the trombone's ability to convey subtlety and emotion in a ballad.

The Music Matters 45s are all about getting the best possible analog sound from the original master tapes, and Dial "S" lives up to the series standards. As a monaural recording it doesn't suffer from the sometimes controversial hard left-right panning of the stereo Blue Notes. The sound is rich, full and detailed, with a wide image. The record is a prime example of 'big mono' that marks the best mono recordings of the era. The pressing quality and printing of the gatefold cover is first-rate, befitting the premium price of the package.

Dial "S" For Sonny is one of those great old recordings that's worth seeking out to hear some young hard boppers playing their best. The musicians are brilliant, the music is solid, and—in the case of this Music Maters pressing—the reissue is first class all the way. 
https://www.allaboutjazz.com/dial-s-for-sonny-sonny-clark-blue-note-records-review-by-greg-simmons

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Las copias originales de Blue Note 1570—Dial "S" For Sonny— se encuentran entre los discos más raros de Blue Note, y a menudo se venden por miles de dólares incluso en copias mediocres. Es una suma exorbitante para un disco de vinilo prensado de cincuenta y seis años con funda de cartón. Afortunadamente, existen mejores maneras de escuchar la grabación debut del pianista Sonny Clark para el legendario sello. La serie Music Matters de discos dobles de vinilo a 45 rpm está llegando a su fin tras casi cien títulos, y Dial "S" For Sonny se incluyó justo a tiempo.

La brevísima carrera de Clark se vio truncada por su muerte en 1963 a la edad de 32 años, pero dejó una colección de grabaciones muy apreciada, aunque relativamente breve. Criado en Pittsburgh y tras tocar profesionalmente en la costa oeste antes de regresar a Nueva York, fue esencialmente un músico de blues, pero con un agudo sentido de la complejidad estructural tanto en sus composiciones como en sus improvisaciones.

Toca con un swing y una energía arrolladores, aunque se ciñe principalmente a tempos medios. En "Love Walked In", los vientos no participan, y solo lo acompañan el baterista Louis Hayes y el bajista Wilbur Ware. Abre la canción con una introducción tierna y romántica, para luego sumergirse en un solo sólido y bien estructurado. Nunca se desvía demasiado de la melodía, sino que la enriquece con sus propias texturas y figuras armónicas.

La interpretación de Clark al piano es excelente de principio a fin, pero la mayor parte del disco es un septeto con algunos de los músicos más legendarios de la época (y, en el caso de Louis Hayes, incluso de la actualidad). En la balada "It Could Happen To You", Art Farmer toca una trompeta cálida y bronceada, llena de volumen y profundidad, antes de ceder el protagonismo a la improvisación sobria y apropiada de Clark. Luego, Hank Mobley toma el relevo con una interpretación de tono suave que captura a la perfección la esencia de la canción. Finalmente, Curtis Fuller interviene con una breve declaración final que demuestra la capacidad del trombón para transmitir sutileza y emoción en una balada.

Los sencillos de 45 rpm de Music Matters se caracterizan por obtener el mejor sonido analógico posible de las cintas maestras originales, y Dial "S" cumple con los estándares de la serie. Al ser una grabación monoaural, no sufre la a veces controvertida panoramización izquierda-derecha extrema de los discos estéreo de Blue Note. El sonido es rico, pleno y detallado, con una amplia imagen sonora. El disco es un ejemplo perfecto del "gran mono" que define las mejores grabaciones mono de la época. La calidad de prensado y la impresión de la portada desplegable son de primera categoría, acordes con el precio elevado del paquete.

Dial "S" For Sonny es una de esas grandes grabaciones antiguas que vale la pena buscar para escuchar a jóvenes músicos de hard bop en su mejor momento. Los músicos son brillantes, la música es sólida y, en el caso de esta edición de Music Matters, la reedición es de primera clase en todos los sentidos. https://www.allaboutjazz.com/dial-s-for-sonny-sonny-clark-blue-note-records-review-by-greg-simmons

Les Spann • Gemini

 

Review
by Alex Henderson  
Les Spann was a perfect example of a jazz artist who had an impressive list of sideman credentials but never got very far as a leader. Although he played with heavyweights like Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Johnny Hodges, and Ben Webster, the guitarist/flutist didn't record on his own extensively -- which is regrettable because Spann was an intriguing musician. How many guitarists are equally proficient when it comes to playing the flute? Spann's two instruments get equal time on Gemini, an excellent hard bop date that was produced by the ubiquitous Orrin Keepnews. This album, which Fantasy reissued on CD on its Original Jazz Classics imprint in 2001, was recorded at two different sessions in December 1960. One finds Spann on flute, while the other finds him on guitar. Both sessions employ Julius Watkins on French horn, Tommy Flanagan on piano, and Sam Jones on upright bass, but there are two different drummers -- Al "Tootie" Heath at one session, Louis Hayes at the other. Spann gives 100 percent at both sessions. As a guitarist, he is bluesy and expressive on material that ranges from Quincy Jones' "Stockholm Sweetnin'" and Dizzy Gillespie's "Con Alma" to the standard "There Is No Greater Love." But he is equally impressive when he picks up the flute on tracks that include the melancholy "Afterthought" and a lyrical performance of the standard "It Might as Well Be Spring." One thing Spann doesn't do on this album is play both flute and guitar on the same tune; he is careful to keep them separate. And while it would have been interesting to hear him play a flute solo right after a guitar solo, Gemini is still excellent. It's too bad that Spann didn't do a lot more recording as a leader.
https://www.allmusic.com/album/gemini-mw0000016497

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Revisar
por Alex Henderson
Les Spann fue un ejemplo perfecto de un artista de jazz que tenía una impresionante lista de credenciales como acompañante pero que nunca llegó muy lejos como líder. Aunque tocó con pesos pesados como Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Johnny Hodges y Ben Webster, el guitarrista/flautista no grabó mucho por su cuenta, lo cual es lamentable porque Spann era un músico intrigante. ¿Cuántos guitarristas son igualmente competentes cuando se trata de tocar la flauta? Los dos instrumentos de Spann obtienen el mismo tiempo en Gemini, una excelente fecha de hard bop que fue producida por el omnipresente Orrin Keepnews. Este álbum, que Fantasy reeditó en CD en su sello Original Jazz Classics en 2001, fue grabado en dos sesiones diferentes en diciembre de 1960. Una encuentra a Spann en la flauta, mientras que la otra lo encuentra en la guitarra. Ambas sesiones emplean a Julius Watkins en la trompa, Tommy Flanagan en el piano y Sam Jones en el contrabajo, pero hay dos bateristas diferentes: Al "Tootie" Heath en una sesión y Louis Hayes en la otra. Spann da el 100 por ciento en ambas sesiones. Como guitarrista, es blusero y expresivo en material que va desde "Stockholm Sweetnin'" de Quincy Jones y "Con Alma" de Dizzy Gillespie hasta el estándar "There Is No Greater Love". Pero es igualmente impresionante cuando toca la flauta en temas que incluyen la melancólica "Afterthought" y una interpretación lírica del estándar "It Might as Well Be Spring". Una cosa que Spann no hace en este álbum es tocar la flauta y la guitarra en la misma melodía; tiene cuidado de mantenerlos separados. Y aunque hubiera sido interesante escucharlo tocar un solo de flauta justo después de un solo de guitarra, Géminis sigue siendo excelente. Es una lástima que Spann no haya hecho muchas más grabaciones como líder.
https://www.allmusic.com/album/gemini-mw0000016497

Paul Chambers & Tommy Flanagan • Motor City Scene

 

The Cannonball Adderley Sextet • In New York

 

Reseña de Richard S. Ginell
Esta excelente actuación en directo desde el Village Vanguard supuso el debut discográfico del sexteto de Adderley, con Cannonball tocando el saxo alto con elocuencia y swing, su hermano Nat liderando la corneta y el versátil Yusef Lateef (que se había unido a la banda solo tres semanas antes) añadiendo un toque especial con el saxo tenor, la flauta y, algo inusual para un instrumentista de viento de jazz, el oboe en la extraña y «Syn-Anthesia», con un aire fúnebre. Además, esta fue la primera aparición discográfica del pianista Joe Zawinul —poco más de tres años después de su llegada a Estados Unidos— en la banda de Cannonball. Este grupo sería el trampolín de Zawinul hacia la fama en el mundo del jazz, y es evidente cómo su dominio compulsivamente funky del bop y el blues se fusionó estrechamente con la sección rítmica de Sam Jones y Louis Hayes. Se incluye una de las primeras grabaciones de una composición de Zawinul, «Scotch and Water», un blues alegre y swing. 
https://www.allmusic.com/album/in-new-york-mw0000649372

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Review by Richard S. Ginell
This excellent live date from the Village Vanguard was the recording debut of the Adderley sextet, with Cannonball waxing eloquently and swingingly on alto, brother Nat charging ahead on cornet, and the versatile Yusef Lateef (who had joined the band only three weeks earlier) adding a bit of an edge on tenor, flute, and unusually for a jazz wind player, oboe on the odd, dirge-like "Syn-Anthesia." Also, this was the first recorded appearance of pianist Joe Zawinul -- a little over three years since his arrival in America -- in Cannonball's band. This group would be Zawinul's springboard to prominence in the jazz world, and readily apparent is how his compulsively funky mastery of bop and the blues had fused tightly with the Sam Jones/Louis Hayes rhythm section. Included is one of the earliest recordings of a Zawinul composition, "Scotch and Water," a happy, swinging blues. 
https://www.allmusic.com/album/in-new-york-mw0000649372


 

Dexter Gordon • Homecoming, Live At The Village Vanguard

 

Paul Chambers & Tommy Flanagan • Motor City Scene